Художественная выставка – это всегда событие, а для тех, кто может прогуляться по ней с одним из ее авторов – художником, знатоком не только особенностей этого искусства, его техник, стилей, жанров, тонкостей, – событие особенное. Человек, который «в материале», может рассказать и о произведениях, и об их авторах такое… С понятием «такое» (придыхание, вытаращенные глаза) у нынешнего обывателя связано нечто скандальненькое и пошленоькое. Конечно же, здесь ничего подобного не будет – моему утонченному собеседнику есть о чем поведать и без этого. О проходящем сейчас во флигеле Симферопольского художественного музея Х Биеннале камерной акварели рассказывает один из его постоянных участников – керченский художник <b>Борис Васильев-Пальм</b> <i>(на рис.).»
– Выставка открылась 1 ноября. Сейчас близится к завершению. Для тех, кто посетил ее не один раз, произошло за это время много интересного. Встречи с авторами работ, с журналистами… Голосование на приз зрительских симпатий, участники которого – наши зрители и ценители – могут выиграть одну из акварелей, специально для этого предоставленных художниками.
Биеннале камерной акварели существует уже 20 лет. Эта выставка 10-я, юбилейная, она посвящена 200-летию известного акварелиста Луиджи Премацци. Он был одним из плодовитейщих мастеров акварели своего времени. Много раз выставлялся в России, Вене, Париже, Лондоне, Милане… С его подачи в России было создано Императорское общество акварелистов.
– Вы – постоянный участник Биннале, уже не первый год. Вам есть, с чем сравнить юбилейную выставку. В чем ее главная особенность или, как сейчас говорят, «фишка»?
– На открытии было отмечено всеми, что у выставки появилось «новое дыхание». Во-первых, пространство для выставки увеличили, пусть всего на один зал, но уже чувствуется – простор, воздух, что для акварелей очень важно. Во-вторых, особенным для проекта в этом году стало активное, хоть и заочное, участие акварелистов России, Беларуси, Украины. Много было прислано работ издалека: не только Москва и Санкт-Петербург, но и Екатеринбург, Новосибирск, Омск, Сыктывкар, Уфа, Палех, Минск, Пятигорск, Краснодар, Донецк, Харьков. Конечно же, традиционно представлены художественные школы Симферополя, Алушты, Ялты, Феодосии и Керчи. Более 300 работ… И все это – акварель: легкость кисти, прозрачность письма…
– Да, акварель – нечто особенное. Насколько я знаю, в ней практически невозможны поправки.
– Вы удивитесь, но в общепринятой классификации акварель относят к графике, поскольку в ней изображение создается на бумаге, поверхность которой не позволяет добиться рельефности мазка, как в живописи. В то же время, богатство тона, возможности построения формы и пространства цветом роднят акварель с живописью. Есть свои тонкости. Например, такая: в акварели не используются белила. То есть, белый цвет на акварели – это просто чистая бумага.
Здесь, на выставке, есть одна работа с использованием белил – это серьезная техническая ошибка. Да, исправления практически невозможны, а даже если сделаны, это тоже считается ошибкой. От поправок получается грязь, поэтому ошибаться – нельзя. Нужна невероятная точность – прежде всего точность мысли, идеи, образа. И талант, конечно, мастерство. Техника акварели настолько многогранна, что редко встретишь «одинаковых» акварелистов. Интонации каждой работы соответствуют темпераменту и характеру, настроению, душевному состоянию автора настолько, что можно назвать акварель самым психологичным из искусств. Недаром она так популярна среди художников самых разных направлений: и классиков, и модернистов…
– А кого можете отметить на этой выставке? На ваш взгляд, кто наиболее оригинален?
– Оригинальность – не совсем тот эпитет, с которого нужно начинать характеристику художника. Первое – это мастерство, владение кистью. А уже затем появляется самобытность и даже дерзость. Вот, например, Ольга Петрова из Алушты. Явно современный взгляд на вещи, на человеческие эмоции, представление их в тонких деталях, смелость и авангардность, даже, можно сказать, первобытная открытость, но в первую очередь – мастерство. В этом году я открыл для себя несколько новых имен, интереснейших молодых мастеров акварели, и она – одна из них.
По-прежнему на достойном уровне выступил обладатель Диплома первой степени прошлого Биеннале – В. Антоненко, чьи работы можно охарактеризовать даже не словом «необычные», а понятием «неожиданные». Взгляните, на картинах преобладает травянисто-зеленый цвет – цвет жизни, радости, биения бытия – но одновременно и покоя, без вспышек и дисгармоний. Гран-При в прошлый раз не был никому присужден, надеюсь, в нынешнем году его получит достойный автор.
– Вы как очень достойный автор прилагаете усилия к тому, чтобы бороться за Гран-При?
– За меня их прилагают мои работы. Представленное мною не имеет аналогов на этой выставке, да и не только на ней. Всего четыре работы: портрет барда Владимира Грачева, автопортрет с православным храмом, «Портрет поэтессы» и «Портрет ополченца «Крымской весны». Портреты на выставке есть, но в том жанре, в каком выполнены два последних – «изопоэзия» – здесь работ нет, да и вообще мне не доводилось встречать в истории живописи именно портретов в этом жанре. Когда небольшой поэтический текст, характеризующий, персонажа картины, гармонично вплетается в нее, в антураж, в детали. Например, текст, сопровождающий «Портрет ополченца»: «Крымской поэзии новобранец, ополченец русского воинства, Украине не враг – иностранец, с чувством собственного достоинства!» – это листья дерева, под которым стоит герой портрета. Буквы-листья – здесь, а в автопортрете с храмом текст – как бы написан прямо на дороге, к храму ведущей.
– Похож на детские рисунки на асфальте, на надписи «Петя+Маша…», «Котенок, я люблю тебя» и им подобные…
– Да, так и задумано. Ибо это отголосок жизни – такое вот невольное возвращение в детство. «Будьте как дети», – сказал Господь.
– Вы верующий человек?
– По тексту на картине с храмом понятно, какую религию я исповедую: «Православные Крыма храмы – нет, не тема спасенья души: праздник глазу на фоне драмы. Помолясь, рисуй и пиши!». Моя религия – красота и творчество. А вопрос спасения души каждый поднимает для себя сам. И надеюсь, что такие картины тоже способны вдохновить человека на познание самого себя и совершенствование в Боге.
– Как акварель соответствует характеру автора, так же она отражает пути авторского внутреннего совершенствования. В Боге или в человеке, или в природе… Вот художник, автор работ в стиле «ню». Они кажутся очень возвышенными, особенно если вспомнить постоянно попадающиеся каждому из нас в сети фото и рекламу в том же, с позволения сказать, «стиле». Нет, это несравнимо, да простит меня автор. Герои его работ – безупречны, похожи на бесплотных духов, – этому способствует сдержанная графическая палитра: цветов мало, тела прозрачны, и создается впечатление, что это не тела, а души.
– Это московский автор, Свиридов, обладатель Гран-При 2010 года. Очень его люблю. И рекомендую. Очень грамотное владение академическим рисунком. «Не тела, а души» действительно создаются за счет черно-белой акварельной графики, это достаточно распространенная форма. Однако и в ней есть особенные мастера.
И в противоположность ему – буйство цвета!… Об Ольге Петровой я уже говорил. Ее жанр – мокрая акварель. Краска растекается и дает порой неожиданный эффект. Художнице с особенным мастерством удается работа с белым цветом – чистой бумагой. Мы с ней очень разные. Если мне нравится большая четкость, реалистический портрет, то у нее – портрет условный. Но здесь и не нужна точность – в картине царит настроение, момент, порыв.
Жанры и стили авторов Биеннале разнообразны. Вот стилизованные, орнаментальные философские портреты Л. Субботиной. А здесь вы можете увидеть даже японскую гравюру… точнее, произведение «Воспоминание о японской гравюре» – для акварели это очень необычно. Есть и творение в стиле гравюры из древнерусских книг, как их тогда оформляли – миниатюрной иконописью, буквицами, орнаментом. Это очень тонкая работа, выполнить ее в технике акварели сложно. Но очень интересно. Эти авторы – истинные «любители преодолевать трудности». И правильно: от простого – к сложному, совершенствование до последнего вздоха…
Я мог бы много рассказывать о гармонии, о перспективе, о «холодном и теплом пятне» и многом другом. Но… самым большим комплиментом для художника, например, автора натюрморта, всегда будет что-то вроде: «Ваши груши хочется съесть!». А ведь художники пишут, подсознательно желая вызвать именно такой эффект…
– Как в рассказе О. Генри «Искусство и ковбойский конь», где оный конь бросился на картину, на которой был изумительно талантливо изображен бегущий бык. Конь принял его за живого…
– Нет, не совсем так. Не иллюзию полной реальности… А скорее… Да, да! Именно как с этим конем: чтобы каждый зритель почувствовал в произведении что-то свое, настолько близкое и родное, что захотел бы впустить это в душу, сохранить в памяти, пронести через жизнь…
– Но невозможно ощутить такой эффект от абсолютно всех картин. Что, получается, далеко не всем авторам это удалось? Или количественность все-таки мешает восприятию?
– Нет, просто те картины, которые вас не впечатлили, не заставили задержаться перед ними хотя бы на несколько минут, – «не ваши». Вашими станут одно, два-три полотна. Как и в жизни. Невозможно любить все, невозможно радоваться всему. И эта избирательность – прекрасна, она и составляет нас. Нашу индивидуальность.
Торжественное закрытие Х Биеннале камерной акварели, на котором будут подведены итоги и награждены победители конкурса, состоится 13 декабря 2014 года.
